Monday, 31 December 2012

each innovation of expression brings an innovation in the use of the mediums (ITALIANO- II parte articolo)

For I saw that many of you are interested in the articles about the linocuts and giclèes, and I also state, this is a too important step to the understanding of Stanley Donwood's art, here I am to deepen (as much as I can) this argument. I've collected some further information about that,so you can read the updates, here as well. I had also a block, about the issue of originality or not, whether talking about a piece of art, and there are some few interesting facts I am to present later.
 Stanley Donwood is, in fact a round artist, he has no limits in techniques or methods in all of his works. He experiments many new visual solutions reflected through his innovative techniques and the use of unconventional media. With him, we find ourselves in front of an unlimited catalogue of styles: digital/Virtual art, Video Art, Combines, Op Art, Mediaeval illustrations,Pop, Realistic, New Romantic, Commercial, Concrete, Abstract Expressionism, Conceptual and much much more. The list doesn't stop, but develops on with new currents and ideas hard to put under a category. There is a swift from one style to another, in all of his works, that develop in a constant innovations and experimentations (for the main part successful).  Donwood moves from medium to medium blurring the lines between sculpture, photography, [3]*printmaking and painting.  An important factor here is that, despite his variety in styles and techniques, he maintains always a constant style for the series and the episodes, a sort of a chain of , different by representation but equal by method, pieces and works. For each of his techniques and also themes there is a correspondent series.  
(Mediaeval Op Art= disaster, apocalyptic theme; Pop or/and Abstract Expressionism= modernity, contemporary issues; ex: I love The Modern World series; Overnormal series; Iconographic and Concrete= politics and social themes; etc.)
 To the figure of Stanley Donwood as well, we link innovation to traditionalism and vice versa. The approach, in fact, to giclèes and prints it says it all.
As you know, the series of London Views are linoprints made with the Albion Press from 1860, and the style is a <<quasi-Medieval Op>> art- and here traditionalism and contemporary are well fuse. There is this apocalyptic panorama of London, that stretches from the Thames estuary upstream to beyond the structures of the Gherkin, the Nat West Tower, Battersea Power Station and Big Ben. This work is a summa of 14 pieces/sections. The theme of Fleet Street is the same, made with a printing press from 1844 at St. Bride's Institute. Prints and linocuts of the Fleet Street series are based on photos done in 2007. Meanwhile the whole idea of the apocalyptic panoramas is influenced by a direct witnessing, by the artist, of a flood disaster in 2004 and eventually by the Nuremberg Chronicles from 1493. This style and the theme develops, with the Lost Angeles Series, till now, as announced in the last Taglibro # 37: Mondrian, Anaheim, Capitol Meteorite, etc. And all we have presented here is an innovation of the traditionalism. Usually is this the main factor that contributes to the birth of new styles. All these prints are made not only by cutting the design on the plate, but also by making the paper itself. The mostly used paper for these works is the [1] Kozo* Japanese paper, which is hand burnished (otherwise impossible to be printed on).
 Handmade papers in fact give the possibility, in any medium, to achieve the degree of relief which the artist desires. And this continued tradition of having a hand burnished and made paper guarantees as well creativity, longevity, opacity and tactile pleasure to the piece of art on it.
On the other hand if an artist wants to develop his work in a concrete technique, he has to know  as well, every kind of the same category of work on which he concentrates. In fact if we take as example the action of printing an for the creation of a piece, there is to choose between the traditional printmaking and the new type of prints and printmaking, which after the screenprinting, became the giclèe digital printing.
I am going to present here some further definitions to facilitate the explanation of these concepts, for it is important to know that for every innovation of the needs to communicate, there is a correspondent innovation in the use of the media. Let's begin with the concepts help us classify a piece of art in the printmaking world.

The concept of Edition ( and other)* 
is basic to the world of serial art. An edition of a print includes all the impressions published at the same time or as part of the same publishing event. A first edition print is one which was issued with the first published group of impressions. First edition prints are sometimes pre-dated by a proof edition. Editions of a print are distinguished from states of a print. There can be several states of a print from the same edition, and there can be several editions of a print all with the same state. 
Some definitions, I found, of what is meant by limited edition prints states that, it consists in <<..a series of identical prints etc.....>>, where IDENTICAL is used mainly for the main impression of the first look at, but at a deepen look, prints slightly differ from each other,  because the impression on paper, of the matrix depends on how the ink lies on the paper, according also to the fibers of the handmade papers. (see Kozo paper [1]*- bottom of page).
 It is the limited edition that usually permits printmakers to agree with collectors upon what is an original art print and what a mere reproduction. There are as well  [2]* multiple originals in printmaking.
An original print is,  one (or more)  printed from a matrix on which the design was created by hand and issued as part of the original publishing venture or as part of a connected, subsequent publishing venture. 
For fine art prints the criteria used is more strict. A fine art print is original only if the artist both conceived and had a direct hand in the production of the print (as it happens in Donwood's works). An original print should be distinguished from a reproduction, for the latter is meant to be produced photomechanically and from a restrike- produced as part of a later unconnected publishing vecture.  In the late nineteenth century, in response to the development of photomechanical reproduction techniques, fine arts prints were signed by the artists in order to distinguish between original prints and reproductions. 
 Now jump attention on giclèe prints which define contemorary printmaking.
One of the best characteristics of the giclèe** printing is that the giclèe technique is flexible and it allows to produce various sizes on a variety of mediums including canvas, fine art, photo-based paper and others.
The giclèe gives a high quality long lasting images, and artists can easily created limited editions.
The images are generated from high resolution digital prints, with archival quality inks and has a better colour preciseness than other means of methods of re productions.
The printers used for giclèes are professional 8-Color to 12-Color inkjet Iris or Epson machines (CMYK). These prints use dots that vary in size. While ordinary inkjets lay down a scattered pattern of tiny, fixed-size dots, the Iris overlaps dots on top of dots, in all different sizes, to mix its colors. Because of this you get the perceptual effect of a higher resolution a "visual dpi" of 1,200 to 1,800.
A desktop inkjet, such as the Epson, prints many dots in the shadows of an image, packed closely together, but very few dots in the highlights. The sparse distribution of these fixed-size dots in light areas is often visible to the naked eye.


Conclusion
As you can see for each need of expression there is a different method or technique to choose and convey ideas. In a creating a piece of art, an artwork, the way it is produced and created is of a great importance, because on this factor depends the use of the media and in fact the media are the message.


Appendix (notes on the text):




[1]*
  • Kozo(paper mulberry) is said to be the masculine element, the protector, thick and strong. It is the most widely used fibre, and the strongest. It is grown as a farm crop, and regenerates annually, so no forests are depleted in the process. Kozo paper, prepared carefully, is terrific for relief prints - woodblock, lino, stonecuts etc. Thin high-quality kozo papers will take a very fine- lined print and are especially effective with a chine colle technique for intaglio- etching, drypoint and collograph.
Production Methods
  • Branches of the (kozo, gampi or mitsumata) bush are trimmed, soaked, the bark removed, and the tough pliant inner bark laboriously separated, cleaned, then pounded and stretched. The addition of the pounded fibre to a liquid solution, combined with tororo-aoi (fermented hibiscus root) as a mucilage, produces a paste-like substance when it is mixed. It is this "paste" which is tossed until evenly spread on a bamboo mesh screen (called a su) to form each sheet of paper. The sheets are piled up wet, and later laid out to dry on wood in the sun or indoors on a heated dryer.

[2]*


  • Issues on the Originality (even here):Original works of art can be created in a variety of ways, including methods that take advantage of digital print technology. A reproduction, on the other hand, refers to a copy of an original.

[3]*
  • "printmaking" according to the Encyclopedia Britannica: 



"...broadly, the production of images normally on paper and exceptionally on fabric, parchment, plastic or other support by various processes of multiplication; more narrowly, the making and printing of graphic works by hand or under the supervision of the artist."



[4]*




  • giclèe:

 pron: jiklei or zhee-klay ; coined in 1991 by Jack Duganne - from french of gicler: to squirt



[5]*


<<The  move toward new technology is having an impact on future artists. As more and more computers have entered the classroom and art studios, university art students are more inclined to study new software applications and to incorporate digital technology into their work instead of learning more traditional printmaking methods. We may have to relearn traditional printmaking.>>: H.Wilhelm






IN ITALIANO:
DIETRO L'INNOVAZIONE DELL'ESPRESSIONE STA SEMPRE L'INNOVAZIONE DEI MEZZI


Siccome ho visto che molti di voi sono interessati negli articoli sulle incisioni su linoleum e giclèes, e anche secondo me, questo è un passo troppo importante verso la comprensione delle opere di Stanley Donwood, approfondisco quì (per quanto mi è possibile) questo argomento. Ho raccolto alcune informazioni,così potete  leggere gli aggiornamenti qui. Avevo inoltre un blocco, sulla questione di originalità o meno e sulle questioni che determinano un'opera d'arte, e ci sono alcuni fatti interessanti che verranno presentati in seguito.
 Stanley Donwood è, infatti un artista a tutto tondo, che non ha limiti di tecniche o metodi riguardo alle proprie opere e produzioni. Sperimenta molte nuove soluzioni visive, riflesse attraverso le sue tecniche innovative e l'uso dei mezzi di comunicazione non convenzionali. Con lui, ci troviamo di fronte ad un catalogo illimitato di stili: arte digitale /virtuale, Video Art, Combine, Op Art, illustrazioni medievali, Pop, Realistico, New Romantic, Grafica, Concreta, Espressionismo Astratto, Concettuale e molto altro ancora . L'elenco non si ferma, ma si sviluppa con nuove correnti e idee difficili da mettere sotto una categoria precisa.
Vi è un rapido slittamento da uno stile all'altro, e le sue opere si sviluppano in una costante innovazione e sperimentazione (per la maggior parte, sperimentazioni molto riuscite).  Donwood salta da mezzo a mezzo, confondendo addirittura i confini tra scultura, fotografia, [3] * incisione e pittura.
Un fattore importante è che, nonostante la sua varietà di stili e tecniche, Donwood mantiene sempre uno stile costante nella rappresentazione di ogni serie diversa, si instaura una sorta di catena, diverse nella rappresentazione ma uguali in metodo e stile- opere. Per ciascuna delle sue tecniche e per ciascun tema vi è una serie corrispondente.
(es: Medievale Op Art = disastro, tema apocalittico;  Pop e / o Espressionismo Astratto = modernità, questioni contemporanee, es:  la serie I Love the Modern World, Overnormal serie, iconografica e concreta = politica e temi sociali)
 Alla figura di Stanley Donwood colleghiamo l'innovazione al tradizionalismo e viceversa. L'approccio, infatti verso la produzione di giclèe e stampe tradizionali dice tutto a riguardo.
Come sapete, la serie di incisioni in linoleum di London Views è realizzata con la stampante Albion del 1860, e lo stile che corrisponde a questa serie è un << quasi-medievale >> Op art- tradizionalismo e contemporaneo sono quì ben fusi anche ad una prima occhiata. Vi è in questa serie, questo panorama apocalittico di Londra, che si estende dalla dal Tamigi  fino alle strutture del Gherkin, la Nat West Tower, Battersea Power Station e il Big Ben. Questo lavoro è un'insieme di 14 pezzi /sezioni. Il tema di Fleet Street, che viene prodotto in seguito è lo stesso,eseguito con una macchina stampante del anno 1844 presso l'Istituto St. Bride (uno degli istituti maggiori per stampe di giornali sulla stessa Fleet Street). Le stampe e le linoleografie della serie Fleet Street sono nate da fotografie fatte nel 2007. L'intera idea dei panorami apocalittici che nasce nel 2005, con una prima esibizione di queste opere dell'artista nel 2006,  è influenzata dalla diretta testimonianza del artista, di un'alluvione nel 2004 e, in seguito dalla visione delle Cronache di Norimberga del 1493. Questo stile e il tema proseguono nella serie Lost Angeles, fino ad oggi, come annunciato nell'ultimo Taglibro # 37 con le opere: Mondrian, Anaheim, Capitol Meteorite, ecc.  Tutto quello che abbiamo qui rappresentato è un'innovazione del tradizionalismo. Di solito è questo il fattore principale che contribuisce alla nascita di nuovi stili. Tutte queste stampe sono realizzate non solo tagliando il disegno sulla matrice, ma anche producendo la carta stessa sulla quale poi verrà stampata l'opera. La carta più utilizzata per queste opere è la [1] * Kozo giapponese, che viene brunita a mano (altrimenti impossibile da utilizzare per le stampe).
 I fogli fatti a mano infatti, danno la possibilità, di raggiungere il grado di rilievo e spessore desiderato dall'artista. La tradizione di brunire e lisciare la carta determinano dei fattori di grande importanza nel mondo dell'arte come la creatività, la longevità, l'opacità e il piacere tattile.
D'altra parte, se un artista vuole sviluppare il suo lavoro in una tecnica precisa, deve conoscere anche, ogni tipo di produzione possibile nella stessa categoria di lavoro su cui si concentra. Infatti se si prende come esempio l'azione stessa di stampare, c'è sempre da scegliere tra: fare un'incisione tradizionale, o muoversi verso il nuovo tipo di stampe e di incisioni, che dopo la serigrafia, divenne la stampa Giclée digitale, a seconda di ciò che si intende comunicare o trasmettere con l'opera.
Intendo presentare qui alcune ulteriori definizioni per facilitare la spiegazione di questi concetti, perché è importante sapere che a ogni innovazione della necessità di comunicazione, sta una corrispondente innovazione nell'uso dei mezzi stessi di comunicazione. Cominciamo con dei concetti che ci possono aiutare a capire come nasce un pezzo d'arte nel mondo dell'incisione e della stampa.

Il concetto di Edizione (ed altri) *
è fondamentale per il mondo dell'arte seriale. Un'edizione di stampe include, tutte le impressioni pubblicate contemporaneamente o come parte dello stesso primo evento di pubblicazione. Le stampe della prima edizione sono quelle che sono state rilasciate all'interno del primo gruppo pubblicato. Stampe di una prima edizione possono essere a volte precedute da un'edizione di prova. Le edizioni di prova sono quelle che determinano l'aspetto finale delle edizioni definitive, che prenderanno una definizione di tipo: prima edizione, seconda edizione ecc.. Non sempre conviene all'artista fare più di due edizioni di una stessa serie, perchè in questo modo il valore delle opera può venire radicalmente abbassato e di seguito i compratori possono diminuire. Perchè un'edizione sia limitata non dipende dal numero delle edizioni eseguite, ma dal numero delle stampe che esso contiene. L'Accademia Reale delle Belle Arti ha infatti definito dei criteri in modo da definire se un'edizione è limitata o meno. Secondo l'Accademia, un'edizione limitata di stampe, per essere tale, deve contenere meno di un numero di 50 stampe, solo il 10%  di queste opere può essere a prova d'artista (A/P), il che vuol dire- stampe eseguite dall'artista prima di iniziare una vera e propria edizione. La stampa deve presentare un timbro in rilievo, insieme alla firma del artista, eseguita in matita o china. Sotto la firma dell'artista o all'estremità del angolo, deve essere presente il numero che appartiene alla stampa, es: 1/50, dove l'1 è il numero della stampa data, e 50 è il numero delle stampe in totale con la corrente edizione. Ovviamente più basso il numero totale di stampe è, più diventa alto il valore e il prezzo della stampa. Un'altra caratteristica che appartiene alle edizioni limitate è quella, che devono essere eseguite esclusivamente a mano, e non attraverso una riproduzione automatica o fotomecanica dell'originale. A volte un'edizione può venire stampata dallo studio stesso che intende vendere le stampe dell'artista, il che non cambia il valore di esse. In questo caso invece di A/P, prima dell'effettiva produzione, viene scritto S/P- a prova di studio, o bonne a tirer, come avviso della prova definitiva che verrà prodotta e che non è vendibile. Perchè si preservi lo stato di originalità delle stampe che lo studio intende vendere, o presentare, anche qua deve essere presente il timbro in rilievo, il numero e la firma dell'autore. In questo modo si annuncia che non si tratta di una mera riproduzione, ma dell'originale.
Alcune definizioni, che ho trovato, di ciò che si intende per stampe di edizione limitata afferma che questa caratteristica consiste in << .. una serie di stampe identiche, ecc .... >>, dove identico viene utilizzato principalmente per indicare la prima impressione che si ha allo primo sguardo dell'opera, ma ad uno sguardo approfondito, ci si accorge che le stampe differiscono nell'aspetto le une dalle altre, perché l'impressione su carta, della matrice e del disegno dipendono principalmente da come l'inchiostro si poggia sulla carta, in base anche alle fibre della carta (Cfr. Kozo [1] * - in fondo alla pagina).
 E 'l'edizione limitata che di solito mette d'accordo incisori e collettori su ciò che è può essere una stampa originale da quello che può essere una mera riproduzione. Vi può anche essere un numero di  [2] * più originali di una stessa incisione.
Una stampa originale è infatti, una (o più) stampate dalla matrice con cui è stato creato il disegno a mano e rilasciato come parte del progetto editoriale originale o come parte di una collegata, impresa editoriale successiva. Di solito però, per fare in modo che il compratore abbia fiducia che si tratti davvero di un'edizione limitata, l'incisore deve distruggere la matrice, o il piatto a fine stampa.
Alla fine del XIX secolo, in seguito allo sviluppo di tecniche di riproduzione fotomeccanica, belle stampe d'arte vengono firmate dagli artisti, al fine di distinguere tra stampe originali e riproduzioni, come abbiamo detto in precedenza.
 Ora, saltiamo la nostra attenzione alle stampe giclée, a getto d'inchiostro, che caratterizzano la produzione contemporanea di incisioni.
Una delle migliori caratteristiche della stampa Giclée ** 

è che la tecnica è flessibile e permette di produrre varie dimensioni su una varietà di mezzi tra cui tela, legno, carta fotografica e stoffa; e altri.
Il Giclèe crea immagini di alta qualità e di lunga durata, (gli ultimi studi per verificare la durata di una stampa giclèe annuncia che, prima di perdere la brillantezza e la gamma originale dei colori della stampa e la qualità della carta, possono trascorrere anche più di sessant'anni) e gli artisti possono facilmente creare edizioni limitate.
Le immagini sono generate da stampe digitali ad alta risoluzione, con inchiostri di qualità  e tali stampe e hanno una precisione migliore nel colore rispetto ad altri mezzi o metodi di produzione.
Le stampanti utilizzate per giclèes, a getto d'inchiostro Epson Iris (CMYK) sono professionali a 8 colori fino a 12 colori. Queste stampe usano punti di inchiostro di varie dimensioni. Mentre le stampanti a getto d'inchiostro ordinarie di solito si servono di punti fissi piccoli, quelli delle stampanti Iris, sono flessibili e di varia dimensione per poter meglio mescolare e sovrapporre i colori. Così si ottiene l'effetto di percezione visuale di  risoluzione maggiore- dpi possibili da 1.200 a 1.800 (si ricorda che i fotografi lavorano mediamente a 300 dpi per la risoluzione delle immagini).
 La stampante Epson, vede e distingue anche i punti d'ombra di un'immagine. La distribuzione sparsa di questi punti, di dimensione fissa nelle aree chiare, è spesso visibile anche ad occhio nudo.
Al di là della precisione e perfezione tecnica delle immagini che questo metodo crea, come può nascere un opera d'arte originale o una edizione limitata da una stampante giclèe?
Una stampante di questo  genere è comunque esclusivamente costosa, e per la maggior parte, gli artisti si limitano ad usarla a noleggio. Non conviene averla nel laboratorio o comprarla, se un artista intende solamente creare edizioni limitate, in modo da far acquisire alle proprie opere un valore, e ottenere la fiducia del compratore o collezionista. Inoltre queste macchine sono estremamente difficili da usare. Si può facilmente limitare il numero delle stampe in modo da produrre edizioni limitate. I colori e la qualità si possono impostare e controllare anche durante la stampa. Perciò tutti i criteri dettati dall'Accademia e che definiscono le stampe come opere d'arte originali sono applicabili anche alla produzione attraverso queste stampanti. Si, abbiamo un processo fotomecanico, ma questo dettaglio si annulla considerando il fatto che la produzione si effettua personalmente, sotto il controllo assoluto dell'artista durante la durata della produzione.
Perciò arrivo alla


Conclusione
Come si può vedere per ogni esigenza di espressione o comunicazione, vi è un diverso metodo o una tecnica  appropriata per selezionare e trasmettere le idee. Nella creazione di un'opera d'arte, il modo che si sceglie e in cui viene prodotta e realizzata è di grande importanza. Da questo fattore dipende l'uso dei media e infatti i media sono il messaggio.




Appendice (note al testo):




[1] *
Kozo (carta di gelso), si dice che sia l'elemento maschile, il protettore, spesso e robusto. È la fibra più resistente e utilizzata. Cresce in campagna, e si rigenera ogni anno, quindi le foreste non vengono esaurite nel processo. la carta Kozo , è eccezionale per stampe a rilievo - blocchi di legno, linoleum. Sottili fogli Kozo di alta qualità sono particolarmente adatte per la tecnica di intaglio, colle-acquaforte, puntasecca e collograph .



Metodi di produzione
Dal cespuglio di Kozo, Gämpi o Mitsumata viene bagnata e tagliata la parte sottile e superiore della corteccia, poi viene rimossa. La dura e spessa parte interiore della corteccia, è più flessibile e viene divisa, pulita, poi pestata e infine stirata. L'aggiunta della fibra pestata avviene attraverso una soluzione liquida, in combinazione con tororo-aoi (radice fermentata di ibisco) si ottiene una sostanza pastosa e poi si miscela alla soluzione. La soluzione a "pasta" viene distribuita uniformemente su uno schermo di maglia di bambù per formare ogni singolo foglio di carta. I fogli sono impilati e umidi, e poi messi ad appassire ed asciugare su legno al sole o al chiuso in un essiccatore ad aria calda.

[2] *

Problemi sulla originalità (anche qui): opere d'arte originali possono essere create in vari modi, compresi i metodi che sfruttano la tecnologia che offre la stampa digitale. Una riproduzione, d'altra parte, si riferisce alla copia di un originale (copia prodotta soprattuto in modo fotomechanico ed automatico, senza possibilità da parte dell'artista di manovrare e controllare la produzione).

[3] *
"Incisione", secondo l'Enciclopedia Britannica:


"... In generale, la produzione di immagini di solito su carta ed eccezionalmente su tessuto, pergamena, supporto in plastica o di altro tipo da vari processi di moltiplicazione, più restrittivo, la realizzazione e la stampa di opere grafiche a mano o sotto il controllo dell'artista. "



[4] *


GICLèE

 pron: jiklei o zhee-Klay, coniato nel 1991 da Jack Duganne - dal francese di gicler: spruzzare, schizzare




[5]*

<<Il passaggio verso la nuova tecnologia sta avendo un impatto sui futuri artisti. Con i computer che entrano sempre di più più nelle classe e gli studi d'arte, gli studenti universitari d'arte sono più inclini a studiare nuove applicazioni software e di incorporare la tecnologia digitale nel loro lavoro invece di imparare i metodi più tradizionali di incisione. Forse dovremmo imparare di nuovo a produrre le incisione tradizionale in modo da avere un'immagine totale dell'arte che creiamo.>> Henry Wilhelm






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