Monday, 31 December 2012

each innovation of expression brings an innovation in the use of the mediums (ITALIANO- II parte articolo)

For I saw that many of you are interested in the articles about the linocuts and giclèes, and I also state, this is a too important step to the understanding of Stanley Donwood's art, here I am to deepen (as much as I can) this argument. I've collected some further information about that,so you can read the updates, here as well. I had also a block, about the issue of originality or not, whether talking about a piece of art, and there are some few interesting facts I am to present later.
 Stanley Donwood is, in fact a round artist, he has no limits in techniques or methods in all of his works. He experiments many new visual solutions reflected through his innovative techniques and the use of unconventional media. With him, we find ourselves in front of an unlimited catalogue of styles: digital/Virtual art, Video Art, Combines, Op Art, Mediaeval illustrations,Pop, Realistic, New Romantic, Commercial, Concrete, Abstract Expressionism, Conceptual and much much more. The list doesn't stop, but develops on with new currents and ideas hard to put under a category. There is a swift from one style to another, in all of his works, that develop in a constant innovations and experimentations (for the main part successful).  Donwood moves from medium to medium blurring the lines between sculpture, photography, [3]*printmaking and painting.  An important factor here is that, despite his variety in styles and techniques, he maintains always a constant style for the series and the episodes, a sort of a chain of , different by representation but equal by method, pieces and works. For each of his techniques and also themes there is a correspondent series.  
(Mediaeval Op Art= disaster, apocalyptic theme; Pop or/and Abstract Expressionism= modernity, contemporary issues; ex: I love The Modern World series; Overnormal series; Iconographic and Concrete= politics and social themes; etc.)
 To the figure of Stanley Donwood as well, we link innovation to traditionalism and vice versa. The approach, in fact, to giclèes and prints it says it all.
As you know, the series of London Views are linoprints made with the Albion Press from 1860, and the style is a <<quasi-Medieval Op>> art- and here traditionalism and contemporary are well fuse. There is this apocalyptic panorama of London, that stretches from the Thames estuary upstream to beyond the structures of the Gherkin, the Nat West Tower, Battersea Power Station and Big Ben. This work is a summa of 14 pieces/sections. The theme of Fleet Street is the same, made with a printing press from 1844 at St. Bride's Institute. Prints and linocuts of the Fleet Street series are based on photos done in 2007. Meanwhile the whole idea of the apocalyptic panoramas is influenced by a direct witnessing, by the artist, of a flood disaster in 2004 and eventually by the Nuremberg Chronicles from 1493. This style and the theme develops, with the Lost Angeles Series, till now, as announced in the last Taglibro # 37: Mondrian, Anaheim, Capitol Meteorite, etc. And all we have presented here is an innovation of the traditionalism. Usually is this the main factor that contributes to the birth of new styles. All these prints are made not only by cutting the design on the plate, but also by making the paper itself. The mostly used paper for these works is the [1] Kozo* Japanese paper, which is hand burnished (otherwise impossible to be printed on).
 Handmade papers in fact give the possibility, in any medium, to achieve the degree of relief which the artist desires. And this continued tradition of having a hand burnished and made paper guarantees as well creativity, longevity, opacity and tactile pleasure to the piece of art on it.
On the other hand if an artist wants to develop his work in a concrete technique, he has to know  as well, every kind of the same category of work on which he concentrates. In fact if we take as example the action of printing an for the creation of a piece, there is to choose between the traditional printmaking and the new type of prints and printmaking, which after the screenprinting, became the giclèe digital printing.
I am going to present here some further definitions to facilitate the explanation of these concepts, for it is important to know that for every innovation of the needs to communicate, there is a correspondent innovation in the use of the media. Let's begin with the concepts help us classify a piece of art in the printmaking world.

The concept of Edition ( and other)* 
is basic to the world of serial art. An edition of a print includes all the impressions published at the same time or as part of the same publishing event. A first edition print is one which was issued with the first published group of impressions. First edition prints are sometimes pre-dated by a proof edition. Editions of a print are distinguished from states of a print. There can be several states of a print from the same edition, and there can be several editions of a print all with the same state. 
Some definitions, I found, of what is meant by limited edition prints states that, it consists in <<..a series of identical prints etc.....>>, where IDENTICAL is used mainly for the main impression of the first look at, but at a deepen look, prints slightly differ from each other,  because the impression on paper, of the matrix depends on how the ink lies on the paper, according also to the fibers of the handmade papers. (see Kozo paper [1]*- bottom of page).
 It is the limited edition that usually permits printmakers to agree with collectors upon what is an original art print and what a mere reproduction. There are as well  [2]* multiple originals in printmaking.
An original print is,  one (or more)  printed from a matrix on which the design was created by hand and issued as part of the original publishing venture or as part of a connected, subsequent publishing venture. 
For fine art prints the criteria used is more strict. A fine art print is original only if the artist both conceived and had a direct hand in the production of the print (as it happens in Donwood's works). An original print should be distinguished from a reproduction, for the latter is meant to be produced photomechanically and from a restrike- produced as part of a later unconnected publishing vecture.  In the late nineteenth century, in response to the development of photomechanical reproduction techniques, fine arts prints were signed by the artists in order to distinguish between original prints and reproductions. 
 Now jump attention on giclèe prints which define contemorary printmaking.
One of the best characteristics of the giclèe** printing is that the giclèe technique is flexible and it allows to produce various sizes on a variety of mediums including canvas, fine art, photo-based paper and others.
The giclèe gives a high quality long lasting images, and artists can easily created limited editions.
The images are generated from high resolution digital prints, with archival quality inks and has a better colour preciseness than other means of methods of re productions.
The printers used for giclèes are professional 8-Color to 12-Color inkjet Iris or Epson machines (CMYK). These prints use dots that vary in size. While ordinary inkjets lay down a scattered pattern of tiny, fixed-size dots, the Iris overlaps dots on top of dots, in all different sizes, to mix its colors. Because of this you get the perceptual effect of a higher resolution a "visual dpi" of 1,200 to 1,800.
A desktop inkjet, such as the Epson, prints many dots in the shadows of an image, packed closely together, but very few dots in the highlights. The sparse distribution of these fixed-size dots in light areas is often visible to the naked eye.


Conclusion
As you can see for each need of expression there is a different method or technique to choose and convey ideas. In a creating a piece of art, an artwork, the way it is produced and created is of a great importance, because on this factor depends the use of the media and in fact the media are the message.


Appendix (notes on the text):




[1]*
  • Kozo(paper mulberry) is said to be the masculine element, the protector, thick and strong. It is the most widely used fibre, and the strongest. It is grown as a farm crop, and regenerates annually, so no forests are depleted in the process. Kozo paper, prepared carefully, is terrific for relief prints - woodblock, lino, stonecuts etc. Thin high-quality kozo papers will take a very fine- lined print and are especially effective with a chine colle technique for intaglio- etching, drypoint and collograph.
Production Methods
  • Branches of the (kozo, gampi or mitsumata) bush are trimmed, soaked, the bark removed, and the tough pliant inner bark laboriously separated, cleaned, then pounded and stretched. The addition of the pounded fibre to a liquid solution, combined with tororo-aoi (fermented hibiscus root) as a mucilage, produces a paste-like substance when it is mixed. It is this "paste" which is tossed until evenly spread on a bamboo mesh screen (called a su) to form each sheet of paper. The sheets are piled up wet, and later laid out to dry on wood in the sun or indoors on a heated dryer.

[2]*


  • Issues on the Originality (even here):Original works of art can be created in a variety of ways, including methods that take advantage of digital print technology. A reproduction, on the other hand, refers to a copy of an original.

[3]*
  • "printmaking" according to the Encyclopedia Britannica: 



"...broadly, the production of images normally on paper and exceptionally on fabric, parchment, plastic or other support by various processes of multiplication; more narrowly, the making and printing of graphic works by hand or under the supervision of the artist."



[4]*




  • giclèe:

 pron: jiklei or zhee-klay ; coined in 1991 by Jack Duganne - from french of gicler: to squirt



[5]*


<<The  move toward new technology is having an impact on future artists. As more and more computers have entered the classroom and art studios, university art students are more inclined to study new software applications and to incorporate digital technology into their work instead of learning more traditional printmaking methods. We may have to relearn traditional printmaking.>>: H.Wilhelm






IN ITALIANO:
DIETRO L'INNOVAZIONE DELL'ESPRESSIONE STA SEMPRE L'INNOVAZIONE DEI MEZZI


Siccome ho visto che molti di voi sono interessati negli articoli sulle incisioni su linoleum e giclèes, e anche secondo me, questo è un passo troppo importante verso la comprensione delle opere di Stanley Donwood, approfondisco quì (per quanto mi è possibile) questo argomento. Ho raccolto alcune informazioni,così potete  leggere gli aggiornamenti qui. Avevo inoltre un blocco, sulla questione di originalità o meno e sulle questioni che determinano un'opera d'arte, e ci sono alcuni fatti interessanti che verranno presentati in seguito.
 Stanley Donwood è, infatti un artista a tutto tondo, che non ha limiti di tecniche o metodi riguardo alle proprie opere e produzioni. Sperimenta molte nuove soluzioni visive, riflesse attraverso le sue tecniche innovative e l'uso dei mezzi di comunicazione non convenzionali. Con lui, ci troviamo di fronte ad un catalogo illimitato di stili: arte digitale /virtuale, Video Art, Combine, Op Art, illustrazioni medievali, Pop, Realistico, New Romantic, Grafica, Concreta, Espressionismo Astratto, Concettuale e molto altro ancora . L'elenco non si ferma, ma si sviluppa con nuove correnti e idee difficili da mettere sotto una categoria precisa.
Vi è un rapido slittamento da uno stile all'altro, e le sue opere si sviluppano in una costante innovazione e sperimentazione (per la maggior parte, sperimentazioni molto riuscite).  Donwood salta da mezzo a mezzo, confondendo addirittura i confini tra scultura, fotografia, [3] * incisione e pittura.
Un fattore importante è che, nonostante la sua varietà di stili e tecniche, Donwood mantiene sempre uno stile costante nella rappresentazione di ogni serie diversa, si instaura una sorta di catena, diverse nella rappresentazione ma uguali in metodo e stile- opere. Per ciascuna delle sue tecniche e per ciascun tema vi è una serie corrispondente.
(es: Medievale Op Art = disastro, tema apocalittico;  Pop e / o Espressionismo Astratto = modernità, questioni contemporanee, es:  la serie I Love the Modern World, Overnormal serie, iconografica e concreta = politica e temi sociali)
 Alla figura di Stanley Donwood colleghiamo l'innovazione al tradizionalismo e viceversa. L'approccio, infatti verso la produzione di giclèe e stampe tradizionali dice tutto a riguardo.
Come sapete, la serie di incisioni in linoleum di London Views è realizzata con la stampante Albion del 1860, e lo stile che corrisponde a questa serie è un << quasi-medievale >> Op art- tradizionalismo e contemporaneo sono quì ben fusi anche ad una prima occhiata. Vi è in questa serie, questo panorama apocalittico di Londra, che si estende dalla dal Tamigi  fino alle strutture del Gherkin, la Nat West Tower, Battersea Power Station e il Big Ben. Questo lavoro è un'insieme di 14 pezzi /sezioni. Il tema di Fleet Street, che viene prodotto in seguito è lo stesso,eseguito con una macchina stampante del anno 1844 presso l'Istituto St. Bride (uno degli istituti maggiori per stampe di giornali sulla stessa Fleet Street). Le stampe e le linoleografie della serie Fleet Street sono nate da fotografie fatte nel 2007. L'intera idea dei panorami apocalittici che nasce nel 2005, con una prima esibizione di queste opere dell'artista nel 2006,  è influenzata dalla diretta testimonianza del artista, di un'alluvione nel 2004 e, in seguito dalla visione delle Cronache di Norimberga del 1493. Questo stile e il tema proseguono nella serie Lost Angeles, fino ad oggi, come annunciato nell'ultimo Taglibro # 37 con le opere: Mondrian, Anaheim, Capitol Meteorite, ecc.  Tutto quello che abbiamo qui rappresentato è un'innovazione del tradizionalismo. Di solito è questo il fattore principale che contribuisce alla nascita di nuovi stili. Tutte queste stampe sono realizzate non solo tagliando il disegno sulla matrice, ma anche producendo la carta stessa sulla quale poi verrà stampata l'opera. La carta più utilizzata per queste opere è la [1] * Kozo giapponese, che viene brunita a mano (altrimenti impossibile da utilizzare per le stampe).
 I fogli fatti a mano infatti, danno la possibilità, di raggiungere il grado di rilievo e spessore desiderato dall'artista. La tradizione di brunire e lisciare la carta determinano dei fattori di grande importanza nel mondo dell'arte come la creatività, la longevità, l'opacità e il piacere tattile.
D'altra parte, se un artista vuole sviluppare il suo lavoro in una tecnica precisa, deve conoscere anche, ogni tipo di produzione possibile nella stessa categoria di lavoro su cui si concentra. Infatti se si prende come esempio l'azione stessa di stampare, c'è sempre da scegliere tra: fare un'incisione tradizionale, o muoversi verso il nuovo tipo di stampe e di incisioni, che dopo la serigrafia, divenne la stampa Giclée digitale, a seconda di ciò che si intende comunicare o trasmettere con l'opera.
Intendo presentare qui alcune ulteriori definizioni per facilitare la spiegazione di questi concetti, perché è importante sapere che a ogni innovazione della necessità di comunicazione, sta una corrispondente innovazione nell'uso dei mezzi stessi di comunicazione. Cominciamo con dei concetti che ci possono aiutare a capire come nasce un pezzo d'arte nel mondo dell'incisione e della stampa.

Il concetto di Edizione (ed altri) *
è fondamentale per il mondo dell'arte seriale. Un'edizione di stampe include, tutte le impressioni pubblicate contemporaneamente o come parte dello stesso primo evento di pubblicazione. Le stampe della prima edizione sono quelle che sono state rilasciate all'interno del primo gruppo pubblicato. Stampe di una prima edizione possono essere a volte precedute da un'edizione di prova. Le edizioni di prova sono quelle che determinano l'aspetto finale delle edizioni definitive, che prenderanno una definizione di tipo: prima edizione, seconda edizione ecc.. Non sempre conviene all'artista fare più di due edizioni di una stessa serie, perchè in questo modo il valore delle opera può venire radicalmente abbassato e di seguito i compratori possono diminuire. Perchè un'edizione sia limitata non dipende dal numero delle edizioni eseguite, ma dal numero delle stampe che esso contiene. L'Accademia Reale delle Belle Arti ha infatti definito dei criteri in modo da definire se un'edizione è limitata o meno. Secondo l'Accademia, un'edizione limitata di stampe, per essere tale, deve contenere meno di un numero di 50 stampe, solo il 10%  di queste opere può essere a prova d'artista (A/P), il che vuol dire- stampe eseguite dall'artista prima di iniziare una vera e propria edizione. La stampa deve presentare un timbro in rilievo, insieme alla firma del artista, eseguita in matita o china. Sotto la firma dell'artista o all'estremità del angolo, deve essere presente il numero che appartiene alla stampa, es: 1/50, dove l'1 è il numero della stampa data, e 50 è il numero delle stampe in totale con la corrente edizione. Ovviamente più basso il numero totale di stampe è, più diventa alto il valore e il prezzo della stampa. Un'altra caratteristica che appartiene alle edizioni limitate è quella, che devono essere eseguite esclusivamente a mano, e non attraverso una riproduzione automatica o fotomecanica dell'originale. A volte un'edizione può venire stampata dallo studio stesso che intende vendere le stampe dell'artista, il che non cambia il valore di esse. In questo caso invece di A/P, prima dell'effettiva produzione, viene scritto S/P- a prova di studio, o bonne a tirer, come avviso della prova definitiva che verrà prodotta e che non è vendibile. Perchè si preservi lo stato di originalità delle stampe che lo studio intende vendere, o presentare, anche qua deve essere presente il timbro in rilievo, il numero e la firma dell'autore. In questo modo si annuncia che non si tratta di una mera riproduzione, ma dell'originale.
Alcune definizioni, che ho trovato, di ciò che si intende per stampe di edizione limitata afferma che questa caratteristica consiste in << .. una serie di stampe identiche, ecc .... >>, dove identico viene utilizzato principalmente per indicare la prima impressione che si ha allo primo sguardo dell'opera, ma ad uno sguardo approfondito, ci si accorge che le stampe differiscono nell'aspetto le une dalle altre, perché l'impressione su carta, della matrice e del disegno dipendono principalmente da come l'inchiostro si poggia sulla carta, in base anche alle fibre della carta (Cfr. Kozo [1] * - in fondo alla pagina).
 E 'l'edizione limitata che di solito mette d'accordo incisori e collettori su ciò che è può essere una stampa originale da quello che può essere una mera riproduzione. Vi può anche essere un numero di  [2] * più originali di una stessa incisione.
Una stampa originale è infatti, una (o più) stampate dalla matrice con cui è stato creato il disegno a mano e rilasciato come parte del progetto editoriale originale o come parte di una collegata, impresa editoriale successiva. Di solito però, per fare in modo che il compratore abbia fiducia che si tratti davvero di un'edizione limitata, l'incisore deve distruggere la matrice, o il piatto a fine stampa.
Alla fine del XIX secolo, in seguito allo sviluppo di tecniche di riproduzione fotomeccanica, belle stampe d'arte vengono firmate dagli artisti, al fine di distinguere tra stampe originali e riproduzioni, come abbiamo detto in precedenza.
 Ora, saltiamo la nostra attenzione alle stampe giclée, a getto d'inchiostro, che caratterizzano la produzione contemporanea di incisioni.
Una delle migliori caratteristiche della stampa Giclée ** 

è che la tecnica è flessibile e permette di produrre varie dimensioni su una varietà di mezzi tra cui tela, legno, carta fotografica e stoffa; e altri.
Il Giclèe crea immagini di alta qualità e di lunga durata, (gli ultimi studi per verificare la durata di una stampa giclèe annuncia che, prima di perdere la brillantezza e la gamma originale dei colori della stampa e la qualità della carta, possono trascorrere anche più di sessant'anni) e gli artisti possono facilmente creare edizioni limitate.
Le immagini sono generate da stampe digitali ad alta risoluzione, con inchiostri di qualità  e tali stampe e hanno una precisione migliore nel colore rispetto ad altri mezzi o metodi di produzione.
Le stampanti utilizzate per giclèes, a getto d'inchiostro Epson Iris (CMYK) sono professionali a 8 colori fino a 12 colori. Queste stampe usano punti di inchiostro di varie dimensioni. Mentre le stampanti a getto d'inchiostro ordinarie di solito si servono di punti fissi piccoli, quelli delle stampanti Iris, sono flessibili e di varia dimensione per poter meglio mescolare e sovrapporre i colori. Così si ottiene l'effetto di percezione visuale di  risoluzione maggiore- dpi possibili da 1.200 a 1.800 (si ricorda che i fotografi lavorano mediamente a 300 dpi per la risoluzione delle immagini).
 La stampante Epson, vede e distingue anche i punti d'ombra di un'immagine. La distribuzione sparsa di questi punti, di dimensione fissa nelle aree chiare, è spesso visibile anche ad occhio nudo.
Al di là della precisione e perfezione tecnica delle immagini che questo metodo crea, come può nascere un opera d'arte originale o una edizione limitata da una stampante giclèe?
Una stampante di questo  genere è comunque esclusivamente costosa, e per la maggior parte, gli artisti si limitano ad usarla a noleggio. Non conviene averla nel laboratorio o comprarla, se un artista intende solamente creare edizioni limitate, in modo da far acquisire alle proprie opere un valore, e ottenere la fiducia del compratore o collezionista. Inoltre queste macchine sono estremamente difficili da usare. Si può facilmente limitare il numero delle stampe in modo da produrre edizioni limitate. I colori e la qualità si possono impostare e controllare anche durante la stampa. Perciò tutti i criteri dettati dall'Accademia e che definiscono le stampe come opere d'arte originali sono applicabili anche alla produzione attraverso queste stampanti. Si, abbiamo un processo fotomecanico, ma questo dettaglio si annulla considerando il fatto che la produzione si effettua personalmente, sotto il controllo assoluto dell'artista durante la durata della produzione.
Perciò arrivo alla


Conclusione
Come si può vedere per ogni esigenza di espressione o comunicazione, vi è un diverso metodo o una tecnica  appropriata per selezionare e trasmettere le idee. Nella creazione di un'opera d'arte, il modo che si sceglie e in cui viene prodotta e realizzata è di grande importanza. Da questo fattore dipende l'uso dei media e infatti i media sono il messaggio.




Appendice (note al testo):




[1] *
Kozo (carta di gelso), si dice che sia l'elemento maschile, il protettore, spesso e robusto. È la fibra più resistente e utilizzata. Cresce in campagna, e si rigenera ogni anno, quindi le foreste non vengono esaurite nel processo. la carta Kozo , è eccezionale per stampe a rilievo - blocchi di legno, linoleum. Sottili fogli Kozo di alta qualità sono particolarmente adatte per la tecnica di intaglio, colle-acquaforte, puntasecca e collograph .



Metodi di produzione
Dal cespuglio di Kozo, Gämpi o Mitsumata viene bagnata e tagliata la parte sottile e superiore della corteccia, poi viene rimossa. La dura e spessa parte interiore della corteccia, è più flessibile e viene divisa, pulita, poi pestata e infine stirata. L'aggiunta della fibra pestata avviene attraverso una soluzione liquida, in combinazione con tororo-aoi (radice fermentata di ibisco) si ottiene una sostanza pastosa e poi si miscela alla soluzione. La soluzione a "pasta" viene distribuita uniformemente su uno schermo di maglia di bambù per formare ogni singolo foglio di carta. I fogli sono impilati e umidi, e poi messi ad appassire ed asciugare su legno al sole o al chiuso in un essiccatore ad aria calda.

[2] *

Problemi sulla originalità (anche qui): opere d'arte originali possono essere create in vari modi, compresi i metodi che sfruttano la tecnologia che offre la stampa digitale. Una riproduzione, d'altra parte, si riferisce alla copia di un originale (copia prodotta soprattuto in modo fotomechanico ed automatico, senza possibilità da parte dell'artista di manovrare e controllare la produzione).

[3] *
"Incisione", secondo l'Enciclopedia Britannica:


"... In generale, la produzione di immagini di solito su carta ed eccezionalmente su tessuto, pergamena, supporto in plastica o di altro tipo da vari processi di moltiplicazione, più restrittivo, la realizzazione e la stampa di opere grafiche a mano o sotto il controllo dell'artista. "



[4] *


GICLèE

 pron: jiklei o zhee-Klay, coniato nel 1991 da Jack Duganne - dal francese di gicler: spruzzare, schizzare




[5]*

<<Il passaggio verso la nuova tecnologia sta avendo un impatto sui futuri artisti. Con i computer che entrano sempre di più più nelle classe e gli studi d'arte, gli studenti universitari d'arte sono più inclini a studiare nuove applicazioni software e di incorporare la tecnologia digitale nel loro lavoro invece di imparare i metodi più tradizionali di incisione. Forse dovremmo imparare di nuovo a produrre le incisione tradizionale in modo da avere un'immagine totale dell'arte che creiamo.>> Henry Wilhelm






Saturday, 15 December 2012

art see-through ; @ see-true

detail from: "Silent Chest" (behind)
acrylic on canvas
(I <3 The Modern World series)



evidences....from Occupational Hazard @ Ink-d

detail from " Last Puff"
acrylic on canvas + mixed media

detail relief from "Last Puff"
acrylic on canvas+ mixed media

detail from "Last Puff"
acrylic on canvas+ mixed media

detail from "Amnesiac Thames"
giclèe

Taglibro 37 full of good news! visit www.slowlydownward.com for further information

Taglibro Issue 37

Friday, 7 December 2012

about...Occupational Hazard at Ink_d in colourful Brighton ( Leggi sotto le foto in italiano)

I am very late, I know, but I had some net problems to upload stuff and it took me a while before I realise how to solve them so here I am, finally ready to show.
Well, I am just at home after a fantastic trip just to catch the last days of Occupational Hazard, which you probably know, was this year's last exhibition by Stanley Donwood, and had its last day on 2nd December and it lasted a month. The exhibition took place in the so beautiful and colourful Brighton, at a very lovely and super interesting gallery- Ink_d, situated in North Road (96), and with the most welcoming, openminded, friendly and available gallerists I've ever met!
The exhibition contained so many of the well known pieces of art of the artist's carrier so far, rare works as well as some sold out works, the Goat Head was also there observing us from a high position, and Goat Goodwin watching us from beneath, the 2 magnificent and magical Twisted Woods editions, the Golden Holaweg, the pop-art canvases upstairs and on the vetrina, Occupied Fortune, and the three dimensional Drawn in Woods and many many others, the one you most love. And obviously there were many new works for the occasion- new giclèe prints as Love Story, Scuffed Ink, Target Land, 1984, Patriotism and so on. These giclèe prints were a limited edition and were available only for the duration of the show.
There was also the work that brings the name of the exhibition- Occupational Hazard- represented on a plywood through acrylics.
And all was so beautiful and well...we were immerged inside the art world totally!
So here are some photos of the exhibition,  but I'd like to advert you that, the photos can not render or convey all the atmosphere around, so if you've seen it you'll know what I mean and agree with me, if not- content yourself with the photos!
So finally here they are:




The new giclèe prints







the three dimensional Drawn in Woods



Occupational Hazard: acrylic on plywood



I'm sorry for the quality of some photos, for I took some of them with the lensbabies, on the left on this photo are positioned the first and second edition of Twisted Woods: Gold, Silver and Bronze





Occupational Hazard in Ink_d, nella colorata Brighton:
Sono in ritardo con le informazioni, lo so. Ho dovuto affrontare in questi giorni delle difficoltà riguardo ai post da pubblicare e mi ci è voluto un pò per risolverli, ma adesso finalmente posso mostrarvi tutto.
Sono appena tornata, dalla colorata e tanto ospitale Brighton, nella quale si è svolta, come probabilmente già sapete, l'ultima mostra dell'anno del artista Stanley Donwood: Occupational Hazard. La mostra si è tenuta nella super alternativa e innovativa galleria Ink_d, sulla 96 North Rd, diretta da probabilmente i più disponibili, aperti e giovani galleristi che avessi mai visto.
La mostra conteneva molte delle opere più famose dell'artista, nonchè anche molte delle opere rare e già vendute, era presente lì- a osservarci dall'alto la cosidetta testa di capra Goat Head, e la Capra Goodwin invece ci osservava proprio da sotto i nostri piedi, c'erano le due edizioni di Twisted Woods, il Holaweg d'Oro, i quadri del periodo quasi pop-art-al piano di sopra e sulla vetrina, Occupied Fortune, e il tridimensionale colosso di Drawn a Woods e molti molti altri, forse anche quelli che più amate. 
E ovviamente per lasciarci di nuovo incantati l'artista ha anche prodotto dei nuovi lavori giusto per l'occasione-nuove stampe giclée, a getto d'inchiostro: Love Story, Scuffed Ink, Target Land, 1984, Patriotism, Broken Vortex, Rainbow Intergalactic Raiders e Collision in a Hotel . Queste stampe a getto d'inchiostro,erano un'edizione limitata ed erano disponibili solo per la durata dello spettacolo. Questo vuol dire che chi ha fatto in tempo a richiederle è senza dubbio molto fortunato, perchè l'artista non ne farà altre.
Era molto curioso il lavoro che portava il nome della mostra Occupational Hazard. L'opera era rappresentata su legno compensato con pigmenti acrillici e portava come immagine il solito orsetto dai denti appuntiti su uno sfondo di inchiostro colorato e neri boschi. Era appunto la stessa immagine dell'opera Terrodrome (se avete presente) solo che non era una stampa.
Comunque tutto era al suo posto lì... e i testimoni sono stati affogati....nel mondo dell'arte.
Così qui ho messo alcune foto della mostra, nelle quali potete affogare anche voi la vostra vista, ma vi avviso che, le foto non riescono a rendere o trasmettere tutta l'atmosfera che c'era intorno, quindi se l'avete vista saprete cosa intendo e probabilmente sarete d'accordo con me , se no- vi accontentate delle foto!


Sunday, 18 November 2012

Prints and repetitions repeated but not repeated: (In Italiano sotto)

I was reflecting on a thing recently..I was thinking about the fact that with the silkscreen, the giclèe and all the tools and techniques that involve creating of prints, duplicate images, there is the act of repeating several times the same image. Some critics say, as for example Roland Barthes in his <<La Chambre Claire>> that, when a piece of art is repeated many times, or it gives the possibility to be reproduced more than once, the original piece loses its aura. The aura of an unique object, of a unique idea. But this statement, can make an exception in this case. If we consider Stanley Donwood and his works and prints and reproductions, even though there is the same image repeated , it is never the same as the previous reproduced or printed one. We have a basic image, which gives the spectator a visual idea, an information, and this idea is represented on many different materials. The materials are the media. The purpose of the media is in fact to give information and to increase the impact of the idea, the concept. Take for example the basic idea of King Canute. The figure that stands in front of a tide, trying (unsuccessfuly) to halt it. This is the symbol of any of the rulers and the authorities, all over the centuries, that had failed in whatever they've promised or were supposed to do. So Cnut borns as a linocut. Then develops as a material idiom, or an idiom through materials, thanks to the Golden Cnut version: The streets of London are paved with gold, and it says it all (Canute is in fact a continuum of the London Views series). All the institutions, governors and authorities that gives us false promises, inflatable hopes, has always failed through the centuries, as King Canute witnesses. And also the material, the media, in this case gold- states against the colossal idea of our rulers, about the economic wealth they own that could save the world, the society. The same idea is conveyed by the golden meteors that fall down to destroy Hollywood, for example, in the Lost Angeles series this year.
And what about The London Views box set of 2009?! It is not a case that the idea of the flooded London is this time represented through screenprints on recycled currency.
It is this unconventional media, that speaks through images and  gives an aura, an idea of a unique and an incomparble piece of art.

many thanks to Dan H.





Can people be the media?

London Views Box Set
London Views Box Set
Cnut








Golden Cnut





Le non ripetizioni:

 con  gli strumenti e le tecniche che comportano la creazione di stampe, immagini duplicate, c'è l'atto di ripetere più volte la stessa immagine.

  R. Barthes sostiene che, quando un pezzo d'arte è ripetuto molte volte,o/e dà la possibilità di essere riprodotto o ripetuto, più di una volta, il pezzo originale che è stato duplicato perde la sua aura. L'aura di un oggetto unico nel suo genere, di un'idea unica. Ma questa affermazione, può fare un'eccezione in alcuni casi. Se consideriamo Stanley Donwood e le sue opere e stampe e riproduzioni, anche se c'è la stessa immagine ripetuta, non è mai uguale a quella precedente riprodotta o stampata. Abbiamo un' immagine di base, che dà allo spettatore un'idea visiva, un'informazione, e questa idea è rappresentata su molti materiali diversi. I materiali sono i mezzi di comunicazione. Lo scopo dei media è infatti di fornire informazioni e di aumentare l'impatto dell'idea, di migliorare il concetto. Prendiamo ad esempio l'idea di base dell'opera King Cnut. La figura che si erge di fronte a una marea, cercando (invano) di fermarla. Questo è il simbolo di tutte le autorità che falliscono e hanno sempre fallito nel corso dei secoli e, che non hanno mai fatto ciò che hanno promesso. 

Così nasce Cnut, come linoleum. Poi, come si sviluppa la sua idea, di ciò che significa attraverso il linguaggio della materia e del materiale e il suo significato. Possiamo addirittura parlare di idiomi detti coi materiali,pensiamo alla versione Cnut d'Oro: Le strade di Londra sono lastricate d'oro, come dicevano anche gli inglesi. E l'uso  dell'oro quindi in quest'opera dice tutto. Tutte le istituzioni, i governatori e le autorità che ci danno false promesse, speranze gonfiabili, hanno sempre pensato di poter fare tutto grazie alla loro ricchezza e che hanno sempre fallito nel corso dei secoli, come testimonia anche l'immagine del re Canuto, morto per la sua arroganza.

 La stessa idea viene trasmessa attraverso i meteoriti d'oro che cadono per distruggere Hollywood,  nella seria di stampe Lost Angeles.


E cosa diciamo dell'edizione di stampe in scatola di London Views?! 
Non è un caso che la Londra allagata e nel pieno del disastro è rappresentata su carta da banconote del valore di 20 sterline per 10.
Sono appunto i supporti non convenzionali, che sviluppano un'idea unica e irripetibile. La  riproduzione in serie su materiali sempre diversi ci fanno pensare al significato e forse è lì che cogliamo con i sensi l'intero significato di un'opera.








Sunday, 11 November 2012

Inspirations and THE MAKING OF...Kid A's artwork (in italiano leggi sotto)

Stanley Donwood is in a rented studio. It's winter. It's cold. His window can not be completely closed (for it is broken?? we don't know). So many thoughts are floating in his mind in this period. He is a curious person. He's always been curious of how events in the world are going. Of where we, the humanity are going. Of the ones that use to control our lives, the ones that we can't see, although it is not god, but yet they rule our lives. They send us to kill, they send us to suffer, they send us to die and the entire humanity, even the less involved are suffering and feel the consequences.
And it is in one of these cold, winter and snowy days that Stanley has his epiphany of what it will be. Of what it is that can not be forgotten, and could even get worst in time. The war in Kosovo is spread over the sound pollution waves. Thinking of it is freezing him. It's taking over him like a grippe. A fever attack. He stares at the snow: white, innocent, beautiful, magical, the one that takes part of the most magical phantasies in children's mind, almost....this time this snow is different. It does not convey fantasies, not in this circumstance. It is not capable to transform the horrible into beautiful anymore. This time the snow takes part of a nightmare. Of an horrific vision. It is the answer, it is now the consequency. It is evidence. An evidence of atrocities. Of violence. Of man's grid to other. Blood, cigarette ends, vomit, bootprints, are signs. Proofs.
Stanley Donwood remembers paintings he's seen at young age in a museum which name has faded away with the years and with it, their author's name. On the paintings, that at the moment give him no peace, are depicted English soldiers massacring foreigners. The desperate need to see them again is connected with what is happening now. A Phantom is torturing the whole humanity for centuries now. It is still there and we can't manage to fight him. One day, one day his bloody fingers will reach us directly, and that day is slowly coming to ruin us definitely.
The TV in Stanley's studio is referring news. On the screen, the same white of the snow he was seing in his mind, covered and depicted with blood. The artist has red, not long time ago, a book by Alan Moore and Bill Sienkiewicz titled: Shadowplay-The Secret Team, in which the number of the dead were tailed by red swimming pools (as for an average swimming pool contains 50.000 gallons of water).
All these atrocial and screaming thoughts make the artist take his brush and let it talk for him. Flames and red paint against white background is where we now immerse and drawn our eyes. Black shadows escaping from arrow-down houses. And we, the people, are paralised spectators to this white apocalypse.
No chance of escape. No signs of salvation. Self destruction overtakes us. And the number of the white disappearing spots in the red rectangle is growing in number. And we're watching. Not doing anything. We are among the spectators depicted on some of Donwood canvases.
And as the snow, the artist's paintings are evidences, consequences. What is happening. What are we through, filtered through his mind. The absence of an concrete conclusion in this artwork is what reality is. Looking to his works now, after so many years, make us wonder if we really have concluded such a chapter of our social living. May be if we did, we'd see it through the eyes of the artist. But apparently.....To you the conclusions..
source: ram Stanley Donwood, slowlydownward.com;


red swimming pool

We, among the ''audience'' of the tragic vision
...

Evidences......

Black shadows, where are you running to??












                                                                                         





                   Ispirazioni...LA REALIZZAZIONE DELL'ARTWORK PER KID A

Stanley Donwood è in uno studio in affitto. È inverno. Fa freddo. La sua finestra non può essere completamente chiusa (perché è rotto?? Non lo sappiamo). Tanti pensieri fluttuano nella sua mente in questo periodo. Lui è una persona curiosa. E 'sempre stato curioso di come gli eventi nel mondo stanno andando. Di come noi, l'umanità sta andando. Si interessa di quelli che controllano le nostre vite, quelli che non possiamo vedere, anche se non sono Dio, ma che comunque governano la nostra vita. Ci mandano a uccidere, ci mandano a soffrire, ci mandano a morire e così, anche i meno coinvolti soffrono e sentono le conseguenze.
Ed è in uno di questi giorni freddi, invernali che Stanley riceve la sua epifania di ciò che accadrà. Di quello che non può essere dimenticato, e potrebbe anche peggiorare nel tempo. La guerra in Kosovo viaggia con le onde sonore e inquina la mente. Pensando alla guerra Stanley congela. Lo attacca come un'influenza. Un attacco di febbre. 
Fissa la neve: bianca, innocente, bella, magico, è proprio la stessa che fa parte delle fantasie dei bambini, o quasi .... questa volta questa neve è diversa. Non trasmette fantasie, non in questa circostanza. Non è in grado di trasformare l'orribile in bello, sublime. Questa volta la neve fa parte di un incubo. Di una visione orribile. La neve è il testimone. È la prova. Una testimonianza delle atrocità. Della violenza. Sangue, mozziconi di sigarette, vomito, sono segni. Prove.
Stanley Donwood ricordadei dipinti che ha visto da giovane in un museo il cui nome è svanito con gli anni e con esso, anche il nome del loro autore. Sui dipinti, che al momento non gli danno pace, sono raffigurati soldati inglesi che massacrano stranieri. Il disperato bisogno di rivederli è collegato a ciò che sta accadendo ora. Un fantasma sta torturando tutta l'umanità da secoli. E 'ancora lì e noi non riusciamo a combatterlo. Un giorno, un giorno le sue dita insanguinate ci raggiungerà, e quel giorno si sta lentamente avvicinando a rovinarci definitivamente.
La TV in studio di Stanley riferische notizie. Sullo schermo, il bianco della neve, la stessa che poco fa era nella sua mente. Questa neve però è coperta di rosso. L'artista ha letto, non molto tempo fa, un libro di Alan Moore e Bill Sienkiewicz intitolato: Shadowplay-Il Team Segreto, in cui il numero dei morti (durante la guerra fredda) veniva calcolato in rapporto al numero delle piscine rosse (una piscina media contiene 50,000 litri di acqua).
Di tutti questi pensieri atroci ci parla il pennello dell'artista. Fiamme e vernice rossa su sfondo bianco è dove siamo ora a immergere i nostri occhi. Ombre nere che scappano da case con la freccia che segna giù. E noi, siamo adesso spettatori paralizzati di questa apocalisse bianca.
Nessuna possibilità di fuga. Nessun segno di salvezza. Autodistruzione. E il numero dei puntini bianchi, che scompaiono nel rettangolo rosso, sta crescendo e non si ferma più. Guardiamo. Senza fare nulla. Siamo tra gli spettatori raffigurati su alcune tele di Donwood.
E come la neve, i dipinti dell'artista sono testimonianze, conseguenze. Quello che sta accadendo ora sotto i nostri occhi. Quello che è filtrato attraverso la sua mente. 
L'assenza di una conclusione concreta in questa opera d'arte, è ciò che è la realtà per davvero. 
Guardando le sue opere oggi, dopo tanti anni dalla loro realizzazione, ci chiediamo se veramente abbiamo concluso un capitolo brutale del nostro vivere sociale. Forse se l'avessimo concluso, l'avremo visto attraverso le opere del artista... Ma a quanto pare non c'è segno ..... Beh a voi le conclusioni ......

source: ram Stanley Donwood, slowlydownward.com; 

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